viernes, 21 de noviembre de 2014
martes, 28 de octubre de 2014
Antonio Berni en el Malba
Inauguración: Jueves 30 de octubre, 19:00
Curadores: Mari Carmen Ramírez y Marcelo Pacheco
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Primera exposición de Antonio Berni (Rosario, 1905 - Buenos Aires, 1981) que presenta en forma exhaustiva sus célebres series de Juanito Laguna y Ramona Montiel e incluye a los Monstruos de sus pesadillas.
Producida en forma conjunta por MALBA y el Museum of Fine Arts, Houston (MFAH) –como parte del acuerdo de colaboración que ambas instituciones mantienen desde 2005–, la muestra reúne un conjunto de 150 obras (pinturas bidimensionales, grabados, xilocollages y xilocollage-relieves, ensamblajes y construcciones polimatéricas), creadas entre 1958 y 1978, cedidas por la familia del artista y por veinticinco colecciones públicas y privadas de Argentina, Uruguay, Estados Unidos, España y Bélgica.
Por primera vez se exhiben en nuestro país piezas prácticamente desconocidas como el conjunto de obras provenientes de Bélgica, compuesto por ensamblajes de gran tamaño como Ramona bebé (1962), La apoteosis de Ramona (1971) y La familia de Juanito emigra (1972). También se presentan obras emblemáticas de carácter monumental como El mundo prometido a Juanito Laguna (1962) –una de las grandes obras maestras de este período, de la colección de Cancillería Argentina–; Juanito aprende a leer (1961) y Pesadilla de los injustos (1961) –ambas del Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires-;Juanito lleva la comida a su padre peón metalúrgico (1961) del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires; Juanito va a la ciudad (1963) de la colección del MFAH; La gran tentación(1962) de la colección de MALBA y La pampa tormentosa (1963), entre otras.
Se destaca además el conjunto de cinco grabados sobre Juanito Laguna –préstamo de la colección del Museo Castagnino+macro de Rosario–, que Berni presentó por primera vez en 1962 en la Bienal de Venecia y por el que obtuvo el Gran Premio de grabado y dibujo.
Antonio Berni: Juanito y Ramona intenta situar a Berni en su contexto internacional, destacando la diversidad de su producción, fruto de una constante búsqueda por expandir las preocupaciones centrales de los movimientos artísticos de posguerra.
Actividades
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viernes, 17 de octubre de 2014
arte, individuo y sociedad vol. 26 #3 (2014)
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Vol 26, No 3 (2014)
Tabla de contenidos
Artículos
| Imágenes de la anorexia: una reflexión desde la Educación Artística | |
| Ana María Nevado Álamo, María Del Río Diéguez, Joan Vallès Villanueva | 367-385 |
| Educación Artística y experiencia importada: Cuando la construcción de significados recae en lo anecdótico | |
| Luisa María Gómez del Águila, Carmen Vaquero Cañestro | 387-400 |
| Comprensión, competencia y logro en la educación artística escolar | |
| Pablo Lekue Rodríguez | 401-418 |
| La escultura pública en el municipio vizcaíno de Leioa | |
| Iñigo Sarriugarte Gomez | 419-436 |
| Estudio crítico de la representación del estado de la pobreza en la televisión | |
| Juan Carlos Gil González, Fernando Ramón Contreras Medina | 437-451 |
| Un archivo sin metáfora. Experimentación autobiográfica y editorial en la literatura argentina reciente: Cuqui, Kiki y Charlotte Von Mess | |
| Anahi Tocio Pochettino | 453-470 |
| Tres movimientos para configurar el rol del artista en América Latina. Una lectura de la obra publicada de Ricardo Carpani | |
| Ignacio Soneira | 471-487 |
| La influencia de la teosofía sobre la obra neoplástica de Mondrian | |
| Pablo Bris-Marino | 489-504 |
| Arte efímero y celebraciones del calendario litúrgico en la Quebrada de Humahuaca (Jujuy, Argentina): La puesta en escena de altares domésticos en las fiestas de San Santiago y Santa Ana. | |
| Maria Alejandra Lanza, Mariel Alejandra López | 505-520 |
| Por un arte semiológico: “deshabituación” y “discontinuidad” en el arte argentino de los años sesenta. | |
| Jaime Vindel Gamonal | 521-537 |
| Desde La Literatura Vanguardista hasta el Diseño cultural: Entrevista a Amir Parsa. Un dialogo sobre el Alzheimer ’s Project y el Programa Meet me at MoMA. | |
| Amir Parsa, Lorena López Méndez | 539-551 |
jueves, 16 de octubre de 2014
Rinden honores a Rembrandt en la National Gallery de Londres
Rinden honores a Rembrandt en la National Gallery de Londres
Unas 90 obras del legendario artista holandés Rembrandt Harmenszoon son exhibidas en el National Gallery de Londres.
Desde el miércoles 15 de octubre hasta el próximo 18 de enero de 2014 las salas de la National Gallery de Londres (capital de Inglaterra), se visten de fiesta para rendir honores al destacado artista holandés, Rembrandt Harmenszoon.
La muestra organizada por la Rijksmuseum de Amsterdam narra como fueron los últimos años de vida de uno de los mayores maestros barrocos de la pintura y el grabado a escala mundial.
Bautizada con el nombre Rembrandt: “Los últimos trabajos”, la exhibición busca mostrar que hasta el más conocido de los artistas era un hombre de sorpresas.
EL DATO
El maestro holandés Rembrandt Harmenszoon se pintó a sí mismo en repetidas ocasiones a lo largo de su carrera artística.
El maestro holandés Rembrandt Harmenszoon se pintó a sí mismo en repetidas ocasiones a lo largo de su carrera artística.
Sobre el evento, al diseñadora de moda Zandra Rhodes, dijo que “la característica singular de Rembrandt era la profundidad de sus imágenes”.
Exhibición en detalle
- La muestra narra los 20 años antes de la muerte de Rembrandt en 1669 a los 63 años
- Más de 90 pinturas, dibujos y grabados del holandés son revelados en la exposición
- A través de los folios se muestra lo incrédulo, estoico y desafiante que fue Rembrandt antes de morir
- El evento busca dar a entender que los artistas son una caja de sorpresas pese a sus realidades
- La muestra narra los 20 años antes de la muerte de Rembrandt en 1669 a los 63 años
- Más de 90 pinturas, dibujos y grabados del holandés son revelados en la exposición
- A través de los folios se muestra lo incrédulo, estoico y desafiante que fue Rembrandt antes de morir
- El evento busca dar a entender que los artistas son una caja de sorpresas pese a sus realidades
Ecuador recuperará casi 5 mil piezas arqueológicas
Ecuador recuperará casi 5 mil piezas arqueológicas
El Gobierno ecuatoriano ha emprendido una tarea de recuperación de bienes que se llevan clandestinamente al exterior, principalmente a países de Europa, logrando la recuperación de más de ocho mil piezas entre 2013 y 2014.
El presidente de la Comisión Técnica Nacional de Lucha contra el Tráfico de Bienes de Ecuador, Sebastián González, informó este martes que más de cuatro mil 800 piezas arqueológicas que fueron llevadas clandestinamente al exterior llegarán al país en noviembre, en lo que será la repatriación de bienes culturales "más grande en la historia del país".
González explicó que el 2014 “ha sido el año más importante porque vamos a recuperar cuatro mil 858 piezas arqueológicas desde Italia, de estas, tres mil 855 piezas son patrimoniales, el resto es de réplicas y figuras falsas".
Agregó que en 2013 el país recuperó alrededor de tres mil 500 piezas en países como Argentina, Egipto, Estados Unidos, entre otros. "Es la repatriación de piezas más grande en la historia del país", añadió.
Esto ha sido posible gracias a que en 2010 el presidente Rafael Correa declaró como política de Estado la lucha contra el tráfico ilícito de bienes patrimoniales, tras lo cual se creó la comisión ejecutiva encargada de coordinar este trabajo.
El funcionario explicó que las piezas están en este momento en tránsito hacia Ecuador. Salieron en barco el miércoles pasado desde el puerto de Génova y arribarán al país "a mediados de noviembre".
Las autoridades pertinentes aún no han decidido el destino de las piezas que serán rescatadas, pero una de las opciones es montar un "gran museo histórico antropológico nacional".
Según el funcionario, el tráfico de bienes culturales patrimoniales "es el tercer negocio más lucrativo, luego del tráfico de drogas y de armas" y el Gobierno ecuatoriano ha emprendido una tarea de recuperación de bienes que se llevan clandestinamente al exterior, principalmente a países de Europa.
Como parte de este trabajo, el Gobierno trabaja estrechamente con la Interpol y las embajadas para encontrar e identificar piezas y responsables, incluso en casas de subastas. Como parte de la recuperación de piezas "hemos ganado el 70 por ciento de los juicios. El año anterior fue un promedio de 10 a 15 litigios internacionales", detalló.
Otras vía para recobrar objetos es la vía diplomática, que ha dado buenos resultados, pues las piezas son recobradas en menor tiempo.
jueves, 18 de septiembre de 2014
lunes, 15 de septiembre de 2014
The photographer who rejected racism in the American south
The photographer who rejected racism in the American south
At the turn of the 20th Century, life was incredibly difficult for the African-American community in the southern states of the US. But one self-taught photographer used his camera to challenge racial barriers and capture the diversity of the American South.
"I did not know my grandfather but I am very proud that he was able to capture these people in pictures - whether they were black or white, rich or poor, farmers or businessmen," says Martha Sumler.
In an era that was marked by growing racial discrimination and the introduction of what were known as the "Jim Crow" segregation laws, a relatively unknown photographer, Hugh Mangum, did a rare thing - he opened his doors to everyone regardless of their race, gender or how much money they had.
Starting in the 1890s, Mangum, a self-taught itinerant photographer, travelled on the railroads across North Carolina, Virginia and West Virginia, setting up temporary studios and taking portraits of the people he met.
At that time, states in the South were introducing legislation that enforced segregation - restaurants, shops and hotels had to provide separate facilities for black and white people. Marriage between races was illegal, separate schools were established and public transport was divided. The effort to disenfranchise the African-American population in the region was underway.
But Mangum's work appears to show that he was a photographer who dismissed this widespread prejudice.
"Hugh Mangum created an environment that was respectful and very often playful in which people could genuinely reveal themselves - men and women, rich and poor, black and white," says Sarah Stacke, who has curated an exhibition of the photographer's work.
Hugh Mangum Photographs, David M. Rubenstein Rare Book & Manuscript Library, Duke University
So was it uncommon at that time to take pictures of such a diverse range of people?
"Within portraiture, I think he's unique for having a completely open studio, for the number of pictures that he took and for the fact that he travelled across states," says Lisa McCarty, Curator at Duke University's David M. Rubenstein Rare Book & Manuscript Library.
"It really is a unique record of citizens from this region."
His photographs are not only unusual for the diverse range of people in them but also because more than a few of his subjects seem to be enjoying themselves.
"Often at the end of a sequence of pictures, you see people smiling, laughing, throwing their heads back," explains McCarty. "These comfortable and candid poses were a real hallmark of Mangum's style."
"To see people smiling in the way that you see in Hugh Mangum's pictures and just having fun - that is incredibly rare for the time," says Stacke.
It's not clear if Mangum took these photographs for any political purpose or if he was hoping the images would send a message to those in power who were pushing the segregationist agenda. But photography was being used as a tool for change at that time.
"African-Americans were really harnessing the power of photography to challenge racial ideas and they were using the images to visually create and celebrate black identity," says Stacke.
African-Americans in Mangum's home state of North Carolina were the target of serious discrimination, as they were in other parts of the South. But the town of Durham, where he was born and raised, had an "unusually prosperous black community" says Stacke, with some African-American entrepreneurs owning thriving businesses there.
Growing up in the relative openness of Durham may have had some part to play in the diversity seen in Mangum's photographs - and it is likely he took some of this influence with him as he travelled to other parts of the country.
On his travels, Mangum used a Penny Picture Camera which allowed individual sections of a glass plate negative to be exposed at different times. The use of a single negative for multiple photographs meant he could keep his costs down and make portrait photography affordable for those who were less well off.
The layout of the images on Mangum's negatives show the sequence in which the photographs were taken and therefore reveal the order that people entered his studio.
"We see the pictures of these people side by side in the photographic sense. But I also think many would have been next to each other physically in the studio," says Stacke. "It was a revolving door of diversity."
Mangum's photographs are seen as an important snapshot of those who lived during this turbulent period of America's history - but they were very nearly lost.
He built his first darkroom in a tobacco pack house - a wooden structure used for drying tobacco - just outside Durham. It's where he stored many of his negatives when he returned from his trips.
They remained there for decades, even when the pack house was turned into a barn. Many of the glass plate negatives were destroyed through neglect or by kids throwing them out of the pack house window trying to hit a nearby tree. Of those that were found, a good number of them were covered in hay and chicken droppings, says Stacke.
Nearly 700 negatives were eventually rescued from the chickens and boisterous children and are now stored at the Duke University archives.
Mangum the man has been described as charming and sensitive, with a great sense of humour. Letters now owned by his granddaughter show him to have had an outgoing personality and an ability to converse with all types of people. She notes that he loved taking pictures of anyone and anything and also turned the camera on himself now and again.
A glass plate negative of Mangum's self portraits
The identities of most of the people in Mangum's photographs remain unknown but the hope is that some of these images would have been handed down through generations and people will recognise them. "The archive really creates an overall portrait of the time," says Stacke. "But at heart, it's really a collection of individuals and I think naming them would help us hear their stories and honour them."
Mangum's granddaughter Martha is also keen to know more about the people who sat in her grandfather's studio.
"While looking at the photos, I feel proud, sad, and frustrated… I wonder who the people are, how they lived and worked and were they happy? We will probably never know the answers for most of these photographs."
Hugh Mangum Photographs courtesy of David M. Rubenstein Rare Book & Manuscript Library, Duke University.
Sarah Stacke spoke to World Update on the BBC World Service
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