Expressionist EcstasyRemembering 20th Century Art's Color Revolution

VG Bild-Kunst, 2012/ Foto: Museum Folkwang, 2012

The Folkwang Museum is hosting a show of work that juxtaposes French Fauvism with similar movements across Europe. Politically, the Continent might have been deeply divided in the early 20th century, but the exhibition in Essen provides ample evidence that its artists had much in common.

A new exhibition in Germany pays tribute to modern artists who revolutionized the use of color.

The show marks the first time the Folkwang Museum in Essen has focused on Fauvism and exploring its impact on subsequent art movements, such as German and Russian Expressionism.
The Fauves ("wild beasts") were named by critic Louis Vauxcelles, who was impressed by the revolutionary use of color and vivid brushstrokes on display in a 1905 exhibition of work by Henri Matisse and André Derain.
An Original Artistic Path
Their work has lost none of its impact. In a statement, the museum calls the exhibition a look at "one of the most fascinating chapters in early 20th century art" and has contributed key works from its own collection to the project.
"The Fauves chose an entirely original artistic path, redefining the relationship between art and nature in their paintings," the museum says.
Led by Matisse, the Fauvists' work marked a break with Impressionism and more traditional approaches to painting, emphasizing painterly qualities and strong color over representational or realistic values.
A Break With Tradition
As political turmoil gripped Europe in the early 20th century, artists across the Continent continued to look to one another for inspiration.
The evolution in France of the Fauvist style was followed by artists in Germany and Russia with keen interest, with many so intrigued by the movement's artistic preoccupations that they adopted them as a starting point for their own revolutionary developments.

The exhibition, titled "The Ecstasy of Colour -- Munch, Matisse and the Expressionists," also features paintings by André Derain and Maurice de Vlaminck along with Norwegian artist Edvard Munch. It also includes works by German and Russian Expressionists such as Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Alexej von Jawlensky, Wassily Kandinsky, Gabriele Münter and Franz Marc.
Nose for Art
The show encompasses over 150 paintings and sculptures, some of which have only rarely been put on public display, if at all.
The Folkwang Museum, which houses a permanent major collection of 19th and 20th century art, says the current show carries on the work of museum founder Karl Ernst Osthaus. In 1906, Osthaus showed he had a nose for a trend when he began buying presenting and exhibiting work by the Fauves, the Expressionists and Edvard Munch.
The exhibition "The Ecstasy of Colour - Munch, Matisse and the Expressionists" runs at the Folkwang Museum in Essen until Jan. 13, 2013 .

Ya se exhiben los objetos rescatados del barco naufragado en el siglo XVIII

La muestra incluye cañones, vasijas, antiguas monedas españolas y una gran variedad de pipas de la época, sólo algunos de los 15 mil elementos hallados en el cargamento del navío.

  

    

Por: 
Gustavo Sarmiento

Cómo era la vida en la Buenos Aires del siglo XVIII? ¿Qué se comercializaba con España? ¿Cuáles eran los consumos y costumbres de la colonia? Algunas respuestas pueden encontrarse desde ayer en la muestra Los misterios de un naufragio en el Río de la Plata, donde se exhiben cañones, vasijas, monedas y hasta pipas de aquella época, que formaban parte de la carga del barco mercante español de 1747 que fue hallado en Puerto Madero en 2008. La exhibición, organizada por la Dirección General de Patrimonio e Instituto Histórico del Ministerio de Cultura porteño, fue montada en el Espacio Virrey Liniers (Venezuela 469), en San Telmo.
"Tenemos la hipótesis de que el barco tuvo una rotura de quilla en algún lugar con suelo duro, probablemente del lado uruguayo, y sometido tal vez a una situación climática difícil, llegó a esta costa. No se hundió en su totalidad; de hecho el sitio está vandalizado por los propios habitantes porteños del siglo XVIII", comentó el arqueólogo Javier García Cano, que dirigió el proceso de recuperación del pecio. Y agregó: "También hay que pensar en aquella Buenos Aires como una ciudad con 40 mil habitantes perdida en el mundo, sin materiales, sin madera, sin piedra, sin metal, y un barco de roble era como el paraíso."
La muestra deja ver algunos de los 15 mil elementos hallados en el navío, la mayoría con un sorprendente estado de conservación, como las botijas modeladas en torno. Esas cerámicas, ovaladas, alargadas o redondas del tamaño de una arroba, transportaban hasta 16 litros de vino o 12,5 de aceite. García Cano destacó como "piezas únicas" a la tabla tallada con dibujos y a las alcarrazas, cerámicas delgadas y blancas producidas en la Sevilla islámica, que "se usaban domésticamente para mantener fresca el agua y que no se encuentran en ningún otro sitio arqueológico, excepto uno, en Cuba". Carozos de aceitunas y tapones también perduran intactos.
Una de las atracciones principales es el cañón de hierro fundido de ánima lisa y avancarga de 900 kilos, el arma naval por excelencia en aquella época. Lo que se ve es uno de los cuatro que encontraron en posición de estiba en la bodega. Según las autoridades, "se traían al puerto para ser comerciados", aunque participantes del proceso recordaron que "en esa época aún se obligaba a los barcos que llegaban de España a venir armados con cañones".
El recorrido continúa con sogas, cuchillos, vasijas y pipas, en gran cantidad y con decoraciones de pescados, de gran uso en la población rioplatense, sobre todo cerca del puerto. Y un par de monedas que reflejan la desordenada economía española: son de ocho maravedíes, reselladas y deformadas a puro golpe de martillo, de la época de Felipe IV. Circularon en España hasta principios del siglo pasado. Mariano Darigo, arqueólogo, y Matías Warr, estudiante, ambos de la Universidad Nacional de Rosario y participantes de la excavación, desmintieron que se trate de un galeón, y contaron que debieron retirar a mano más de 20 toneladas de piedras que los navegantes usaban como lastre. Entre los objetos hallados, la mayoría de uso cotidiano, resaltaron una pelela de porcelana "de algún personal jerárquico", y destacaron "la preservación de muchos objetos. Después de Cayastá, es el mayor hallazgo de cerámica que hubo". «

largo como tres colectivos

El barco, de 28 metros ("del tamaño de tres colectivos", contaron), fue hallado de casualidad por un obrero que trabajaba con su excavadora en una obra privada en Puerto Madero. Estaba a diez metros de profundidad. La estructura completa fue trasladada a Barranca Peña, en La Boca, donde se encuentra reenterrada en las condiciones originales, y monitoreada, ya que en la superficie la madera se pudriría en poco tiempo. Ayer, durante la inauguración de la muestra, el ministro de Cultura porteño, Hernán Lombardi, se mostró "orgulloso" del proceso en el que trabajaron unas 35 personas de distintos ámbitos. El próximo paso será la elaboración de un documental y otro libro digital.

Amelie Lambert, una francesa filmando el Street Art de Buenos Aires

Septiembre 27, 2012

Uno de los mejores documentales que vi sobre el Street Art de Buenos Aires lo hizo una francesa. En 2008 Amelie Lambert se enamoró del arte de las calles porteñas y quiso hacer un documental sobre eso.  Amelie, a la que le estoy agradecidísimo, desde París y a sólo un mes de dar a luz,  se hizo un tiempo para responderme algunas preguntas sobre eso que hace 4 años la tenía dando vueltas con una cámara por las calles de capital. En este post de #StreetArt la entrevista y el documental: Stencil. Bs. As.

A.S.: ¿Por qué un documental sobre StreetArt/Stencils ? 

A.L.: Me interesa el arte en general, estudié bellas artes y me gusta mucho dibujar y pintar. Lo que me atrae especialmente del stencil son la cualidad gráfica, y el hecho de que es un arte de la calle, más popular, no convencional, abierto a toda la gente, incluso a aquellos que no se interesan por el arte. El Street Art surgió así, por la esquina de una calle, sin que hiciéramos el proceso de ir a una exposición de arte. Se nos impone en cualquier momento, a veces como un mensaje político, a veces como un momento de contemplación gráfica y poética.

A.S.: ¿Por qué Buenos Aires?

A.L.: Buenos Aires porque vivía ahí en ese momento y me encantaba pasearme por las calles y descubrir nuevos dibujos y stencils. Noté que había particularmente un montón y además que muchos hablaban de la situación política, o de la memoria histórica del país y vi que podía ser un modo de comunicación importante y la posibilidad de una llamada al pueblo de quedarse atento a lo que pasaba en el país. También puede tener un verdadero poder de reunificación de la gente.  Además leí en un artículo que decía que Buenos Aires era una de las ciudades donde se podía encontrar mucho arte en la calle. Y al final decidí hacer un documental.

A.S.: ¿Cómo contactaste a todos los artistas y cómo respondieron a la propuesta?

A.L.: Fue muy fácil encontrar los artistas. Vivía cerca de un bar en Palermo, cuyo nombre no me recuerdo, pero que estaba lleno de stencils por todas partes. Por curiosidad le pregunté entonces al propietario quién había hecho todos esos dibujos y le comenté que quería hacer un documental sobre el stencil en Bs As. Así que él me contó que estos artistas tenían un taller justo abajo del bar y que podía encontrarlos ahí. Hablé con ellos de mis ganas de hacer el documental, y todos fueron muy abiertos y estuvieron deacuerdo en participar y así empezó este proyecto.
A.S.: ¿En Europa hay un gran movimiento de Street Art, en qué se parece y en qué se diferencia de lo que viste  en Buenos Aires?
A.L.: No puedo hablar de toda Europa, pero sí de lo que conozco: en el centro de París por ejemplo hay mucho Street Art, pero no tanto como en Buenos Aires, y es más arte por arte, más conceptual, tengo la impresión de que está menos comprometido políticalmente que aquellos stencils de BS As, pero pienso que eso se explica fácilmente por la historia política de cada país, de estos 40 años pasados.
Y por ejemplo en Barcelona me da la impresión que hay mas Street Art que en París, hay de todo tipo, muchos son decorativos, más como un fenómeno de moda. Pero desde la crisis surgieron algunos dibujos que aparecen más como un grito de ira.  Al final, en general, el Street Art depende mucho de lo que vive un país, o mas generalmente una civilización y funciona como un espejo, pero como un espejo que piensa, que muestra, que refleja cosas con una cierta distancia.

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Cómo fue la poesía escrita en los duros años del neoliberalismo

Se presenta hoy la antología editada por Ana Mazzoni, Violeta Kesselman y Damián Selci que reúne poemas 
de Washington Cucurto, Fabián Casas, Juan Desiderio y otros autores que dan testimonio de la historia reciente.

  

    

Por: 
 
Ivana Romero

Si usted es de los que creen que la poesía no es un género comprometido con su época porque sólo habla de bucólicos atardeceres, sentimientos sublimes y mujercitas etéreas, puede ir esta tarde a la presentación de La tendencia materialista, de ediciones Paradiso. No es el título de una publicación trotskista. Es el nombre que Ana Mazzoni, Violeta Kesselman y Damián Selci eligieron para lo que definen como "una antología crítica de la poesía de los noventa". Es decir, una poesía urbana, que recuperó giros del habla cotidiana y se metió de lleno en la cultura popular para referirse al rock, el fútbol y los chicos que mendigan al costado de las vías del tren. También habló de la menstruación, del trabajo, de la falta de trabajo, del peronismo como un sueño pisoteado bajo el peso de las privatizaciones, del amor sin mayúsculas, del sexo, del neoliberalismo capaz de diezmar un polo petroquímico en Ingeniero White. 
Los poetas que integran este libro son Fabián Casas, Washington Cucurto, Juan Desiderio, Fernanda Laguna, Alejandro Rubio, Martín Gambarotta y Sergio Raimondi. A diferencia de antologías anteriores (y también imprescindibles) como Poesía en la fisura –publicada en 1995 con edición de Daniel Freidemberg– o Monstruos –publicada en 2001, con edición de Arturo Carrera– aquí el tiempo pasó. "Hicimos un trabajo de selección importante. Ya no se trata de un panorama que incluye a decenas de poetas prometedores. Sino más bien de una aproximación crítica a siete poetas con estéticas diversas, capaces de darles a sus textos una eficacia singular que con el tiempo demostraron, además, ser parte de una obra desarrollada y reconocible", explica Mazzoni. Y agrega que el título de este libro alude a eso, a poetas que parecen haber adoptado como propia la máxima hegeliana de que "la verdad es concreta". 
Este trabajo, continúa la editora, está pensado para ser leído por gente que conozca a los autores pero también para quienes no accedieron antes a estos poemas que, en muchos casos, fueron publicados en tiradas pequeñas y hoy son inhallables. Allí se puede encontrar, por ejemplo, los textos que integran La zanjita, de Desiderio, publicada inicialmente en la revista La Trompa de Falopo o los que Laguna fotocopiaba y repartía cuando creó junto a Cecilia Pavón la galería de arte y editorial Belleza y Felicidad, que comenzó a funcionar en Almagro en 1998. 
La tendencia materialista incluye un texto introductorio, una aproximación histórica que recupera los circuitos de circulación, desde El Diario de Poesía a la revista 18 whiskys e inclusive un apéndice con una cronología de publicaciones desde 1990 a 2007. ¿Por qué los noventa duraron tanto? ¿Por qué la historia vuelve una y otra vez allí? Mazzoni reflexiona: "En (esa poesía) se encuentran percepciones agudas de la historia reciente. Con una fuerza que quizás no hayan tenido novelistas, ensayistas y artistas visuales, muchos de los poetas de los '90 supieron franquear las temáticas convencionalmente asociadas al género." Y agrega: "No se trata sólo de que podamos encontrar en la poesía una sintomatología social de la década; más bien sucede que algunas de las mejores ideas de esos años están escritas en verso." «

mi hijo come su cucurucho

¡No se enojen conmigo!
Mas mi hijo come su cucurucho / en el Mac Donald's ¡esa es la realidad!
Sé que mucha gente no simpatiza / ni menos llevan a sus hijos a un Mac Donald’s.
Yo sí y mi hijo va contento: / (somos al fin de cuentas espíritus de la época).
Mi hijo devora su cucurucho como un tiburón /teniendo entre sus garras una ardilla.
Devora hasta destruirlo todo, /ya no hay tal cucurucho, ni el helado combinado / del Mac Donald’s de Almagro. / Lo mismo debería suceder con el odio de ustedes.
Washington Cucurto

Syrian pop artist depicts suffering with 'black comedy'

By Catriona Davies, CNN

September 27, 2012 -- Updated 1207 GMT (2007 HKT)

The banana represents a sensitive person who is suffering from the nails sticking into him, said Oussama Diab. The artwork is called "Human Being."

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Human Being

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STORY HIGHLIGHTS

• Oussama Diab is a Palestinian artist living in Damascus
• His exhibition "In The Name of Freedom" opened this week in Dubai
• Paintings were all created in Syria during the civil war

(CNN) -- As bloody unrest has raged around him, artist Oussama Diab has been formulating his own response to Syria's civil war -- through art.

Diab, a 35-year-old painter born of Palestinian parents in Damascus and still living in Syria's capital, has a new exhibition of works he has created this year.

His exhibition "In the Name of Freedom" opened September 17 in Dubai. Diab says he was unable to get a visa to travel to the United Arab Emirates, so he had to remain in Syria.

In a telephone interview Diab said his new works "are inspired by what's going on across the Arab world, politics is in everything."

"My artwork reflects not only what is happening in Syria but what has happened in all the Arab world. One of the artist's duties is to follow the problems, the worries, the suffering and present it in his work.

I am always living in worry and I have fears living here.
Oussama Diab, artist

"The fact of living inside the situation makes me able to show it better. I can talk about all the suffering that has happened here and also on the other side of the world," he added.

Diab said he had lost someone close to him in the conflict that has divided Syria since March 2011, but would not give any more details.

"I am always living in worry and I have fears living here," he said. "Without referring to who is doing it, all the bloodshed is not easy to handle, so it affects your mood."

While Diab's work does not directly reference to the civil war in Syria, the themes of war and dreams of a better future are featured in his pictures.

One shows a child with a gun superimposed over a barcode. He said it showed how children are the victims of those who deal in weapons for their own ends.

Another work shows a woman with her head replaced by balloons, which Diab said represented the nice ideas in her head.

Diab has been represented by Ayyam Gallery, which has branches in Damascus, Dubai and Beirut since 2007 when he was one of 10 winners of a competition to find emerging artists. His first solo show was in 2009.

Diab's work is described by the gallery as pop art and graffiti-inspired paintings against nondescript backgrounds, giving a symbolic interpretation of current events.

Also on Inside the Middle East: Syrian artists fight Assad regime with satire

One of the artist's duties is to follow the problems, the worries, the suffering and present it in his work
Oussama Diab, artist

Among the works is "Human Being" showing a banana with nails driven into it. Diab said the banana represents a person suffering from the pain of the nails. Another work shows an altered version of Michaelangelo's "Pieta" sculpture in which Jesus Christ wears a keffiyeh, intended to show him as a Palestinian martyr.

"Like Charlie Chaplain, I'm representing a black comedy so it makes you smile and it gives you grief at the same time," Diab said of his work.

Much of his work reflects his identity as a Palestinian who has never been to his homeland.

"My work is based on the idea of country," he said. "All countries around the world should be sacred. I hate the situation in Syria because Syria should be sacred as well. I don't want the country to be ruined.

"Because I live without a country, it makes me feel closer to people who are suffering here. I feel their suffering and it affects me too. It makes me closer to understanding their pain."

Diab's said he feels his identity split between his Palestinian heritage and his parents' adopted country.

"I never had the chance to live in Palestine, so I feel like the country is an illusion," he said. "My parents didn't come to a strange country, but one where they could speak the same language. The idea of country is sacred to me. Syria is my second country, but I would love to be in my other country."

Also on Inside the Middle East: Images of Tahrir: Egypt's revolutionary art

Diab visited Dubai for the opening of the Ayyam Gallery a few years ago, but said he has not been able to get a visa to visit since.

Sally Othman, gallery manager of Ayyam Damascus, said artists in the city were continuing to work during the unrest, but there are fewer exhibitions.

"The gallery is running as normal because we have our artists based here, but as far as exhibitions, it's hard these days because people are not going out," she said. "We had two workshops with four actors working live in the gallery before Ramadan and we are going to do something similar soon."

"In the Name of Freedom" runs at Ayyam Gallery, DIFC, Dubai, until October 30.

Follow the Inside the Middle East team on Twitter: Presenter Rima Maktabi: @rimamaktabi, producer Jon Jensen: @jonjensen, producer Schams Elwazer: @SchamsCNN, writer Catriona Davies:@catrionadavies and digital producer Mairi Mackay: @mairicnn.

Primera edición de Gallery Nights en la Semana del Arte porteña

En Palermo, 27 galerías abrieron sus puertas y mostraron sus exposiciones en un recorrido gratuito; hoy se hará el circuito en San Telmo y Puerto Madero

Por Lucía Marroquín  | LA NACION

Un afiche publicitario intervenido por el artista callejero RRAA era el decorado involuntario de la primera esquina marcada en el mapa de Gallery Nights Palermo: la cara de Mario Pergolini tapada con una máscara celeste, y corazones rosas en los ojos de Gonzalo Bonadeo.

Enfrente, en la Galería Elsi del Río, los primeros visitantes se reunían alrededor de la obra de Celina Saubidet "Frutos maduros". Anoche , en Palermo, la Semana del Arte presentó la primera de las tres Gallery Nights de este año: las otras dos serán hoy y mañana.

Con el mapa del día en mano, aficionados, expertos y curiosos recorrieron las galerías marcadas con números en el perímetro de diez por veinte cuadras delimitado por las avenidas Santa Fe, Córdoba, Dorrego y Estado de Israel.

María Sánchez y Yanina Palma llegaron a Elsi del Río en el minibús gratuito que iba de un punto al otro del mapa, en doce paradas distribuidas estratégicamente para llegar a todas las galerías. "Hicimos la visita guiada a la tarde y ahora estamos recorriendo los lugares que nos quedaron pendientes", dijo Sánchez a LA NACION.

Palma, que trabaja en un taller textil, contó que le interesa el diseño y Gallery Nights le da la chance de encontrarse personalmente con artistas del rubro que le interesan: "Me gusta conocerlos y preguntarles por sus obras, la razón de sus creaciones". En un recorrido sin plan programado, cada visitante eligió las galerías que formaban su propio circuito palermitano de arte. En cada uno de los 27 espacios de arte los esperaba una copa de champagne, también gratis, para acompañar la visita.

"A la tarde no podemos venir por el horario de trabajo, por eso siempre tratamos de venir cuando hay Gallery Night", contó María Luz Ibáñez, que tiene 55 años y trabaja en una clínica ortopédica, mientras miraba las muestras en la galería Carla Rey. Su marido, Santiago Marino, es taxista, y aunque antes iba para acompañarlas, ahora lo hace porque le gusta. Los dos llevaron a su hija de 17 años, "para que se empiece a empapar del ambiente artístico".

En el taller de Jorge Maculan, los que recorrían diferentes galerías se mezclaban con los asistentes a la inauguración de la muestra del artista, "Esculturas solo esculturas".

Este año, Gallery Nights llegó a las primeras doce ediciones ininterrumpidas. En Buenos Aires se hace entre abril y diciembre, y hay una edición veraniega en Punta del Este, en enero.

Las restantes Gallery Nights de la Semana del Arte serán -ambas a las 19- hoy en San Telmo y Puerto Madero y mañana se hará el tradicional recorrido por la plaza San Martín, Retiro, Recoleta y Barrio Norte.

Estos recorridos acompañan a la edición número nueve de la Semana del Arte, que se inauguró el domingo pasado. Ese día, en la Usina Cultural, unas 1000 personas acompañaron el comienzo de este circuito de arte libre y gratuito junto al cuarteto de tango Esteban Morgado.

Hoy, además, habrá visitas guiadas en Palermo (el punto de encuentro es en Humboldt 1510), San Telmo (en México 459) y Retiro (en Arroyo 858). Todas a las 16.30.

A las 18.30, Alicia de Arteaga coordinará la conferencia "El lugar del artista hoy", con Facundo Zuviría, Santiago Porter y Gabriel Valansi, en el Museo de Arte Contemporáneo (Macba), San Juan 328..

Tom Leishman, Fotógrafo Talenthouse más influyente de 2011

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Las estrellas se han alineado más de una vez para este fotógrafo británico, miembro de la comunidad de Talenthouse, Tom Leishman . Después de tomar esa oportunidad en el Creative Invite de Maroon 5, con una constelación de sombrillas rodando a través de un campo, su propuesta fue recompensada y seleccionada por el anfitrión.

No solamente la banda seleccionó personalmente a Tom para que los fotografiaran en su concierto en Luxemburgo, también tuvo la oportunidad de reunirse con la banda, y que ellos conocieran su portafolio, lo hizo que la banda quisiera que Tom fotografiara todo el espectáculo.

Tuvimos el placer de entrevistar a Tom acerca de esta gran experiencia con Maroon 5 y su carrera.

TH: ¿Cómo fue fotografiar a Maroon 5 en concierto? ¿Llegaste a tener las fotos que habías planeado o tuviste que adaptarte a circunstancias imprevistas?

Tom: Reunirme con ellos y fotografiarlos en concierto se sintió bastante surrealistas, sobre todo porque soy un gran admirador de su música. Estaba bastante nervioso pero traté de que no se notara. Me los presentaron en una reunión con algunos de sus admiradores que ganaron un concurso para conocerlos, ellos me reconocieron y me pusieron aparte de los demás ganadores, fue una excelente manera de comenzar.

Ellos me felicitaron por mi trabajo y me preguntaron si podían ver más fotografías. Después de que vieron tomo mi mini-portafolio que tenía en mi celular, me preguntaron si quería fotografiar todo el espectáculo en lugar del primer acuerdo de solo fotografiar las primeras tres canciones. Tuve acceso a todas las áreas. Ellos me hicieron muchas preguntas sobre mi, como ‘si tenía novia’ y ‘que haría más tarde después del espectáculo’, en ese punto empecé a sentir ‘creo que estoy haciendo nuevos amigos.’

Durante el concierto me sentí como en casa, estaba muy feliz de saber que tenía todo el espectáculo para fotografiarlo, en la arena de Luxemburgo había una pasarela de vigas con vista a toda la sala, caminando por el backstage, reconocí al promotor del lugar y le pregunté si mi acceso me permitía subir a las vigas del techo para tomar algunas fotografías y para mi sorpresa, el promotor se entusiasmó con la idea y le pidió a un guardia de seguridad que me llevara hasta el techo. Mi idea era capturar una imagen que sería recordada y que pudiera separarme de los miles de fotógrafos que Maroon 5 ha tenido, tenía que sacar la mayor ventaja que tenía de ese acceso. Trataba de capturar esos momentos en los que Adam interactúa con el público u ocultarme detrás del sonido para tomar fotos de las siluetas de la banda. Todo el tiempo le agradecí a Dios por tener ese acceso directo y el hecho de que todos hablaran Inglés. Después del espectáculo, en el backstage, compartimos cervezas y platicamos de música hasta las 4am.

TH: Has estado trabajando como el fotógrafo personal del grupo británico de pop rock McFly (la banda más joven en tener un número uno en el Reino Unido, reemplanzado a los Beatles). ¿Cómo llegaste a esta posición?

Tom: Me presentaron a Dougie de McFly cuando estaba trabajando en la banda pop The Saturdays. En ese tiempo Dougie tenía una relación con mi amigo Frankie Sandford, quién está en The Saturdays. Al principio Dougie me invitó a un par de espectáculos para fotografiarlos en vivo, pasó el tiempo y de pronto me encontré fotografíandolos en su gira siendo el fotógrafo oficia de McFly. Desde entonces, he tenido el privilegio de ser el fotógrafo detrás de su página web, anuncios oficiales, folletos, carteles, calendario 2012. ¡Soy muy afortunado!

TH: Tras tu primera colaboración con McFly, comenzaste a trabajar con el bajista la banda Dougie Poynter y su empresa de ropa, Saint Kidd. ¿Podrías describirnos este trabajo y la experiencia de centrarse en prendas de vestir, así como fotografiarlas?

Más sobre

• McFly
• Maroon 5
• The Saturdays
• Dougie Poynter
• R Kelly

Tom: A través del trabajo con McFly y Dougie los he llegado a conocer completamente bien, compartimos visiones similares en un número considerable de cosas, teniendo un gusto similar para vestir, y el estilo siempre ha sido un punto muy recurrente. Dougie

estaba a medio camino de crear una marca de ropa llamada San Kidd, naturalmente me interesé cuando me preguntó si quería involucrarme, inmediatamente comenzamos a colaborar en temas, ideas para el diseño y la sesión de foto. Se que parece una tendencia recurrente que miembros de bandas populares comiencen una línea de ropa para hacer ‘dinero rápido’ con sus seguidores, pero ese no es el caso de Saint Kidd, porque Saint Kidd no es una marca que sin esfuerzo imprime productos baratos y simples sin ningún pensamiento en ellos, cada pulgada de cada producto es pensado, diseñado y cortado con cuidado y atención al detalle asegurándonos que es lo mejor que se puede hacer. La ropa de Saint Kidd es original y estoy orgulloso de usar los productos y decir que formo parte de ellos. Desde su lanzamiento, muchos nos han ayudado en la operación y construcción y yo he sido el fotógrafo de su catálogo y de la página web.

TH: Mencionaste que la fotografía que ganó el Creative Invite de Maroon 5 fue tomada cuando tenías 19 años ‘en un campo en el centro de Cannock, con una sombrilla de £2 de Ikea, ’ pero claramente la sombrilla tiene mucho movimiento. Tú representas un campo lleno de sombrillas que en algunos puntos parecen ser levantadas por una bandada de pájaros. ¿Cuál fue le proceso de esta fotografía?

Tom: Aquí está la receta que usé para crear la imagen: 1 cámera, 1 tripié, 1 sombrilla y un infierno de correr y correr. Puse la cámara en un modo de temporizador de 10 segundos y luego corría para aventar la sombrilla en el aire, seguramente parecía un loco, afortunadamente solo los cuervos y las vacas me vieron. Después edité la fotografía en photoshop. Creo que aquí comenzó el proceso de la magia y como dicen por ahí ‘un mago nunca revela sus secretos.’ Poca gente ha adivinado como hice esto. Desde entonces, con mis conocimientos fotográficos y photoshop, he re-creado a nueva serie de sombrillas y las puedes ver en mi página web.

TH: ¿Qué tiende a inspirar tu fotografía?

Tom: Sé que es genérico y abusado, pero cualquier cosa puede inspirarme, he creado una carpeta en mi computadora llamada ‘Cosas que me dan ideas’ y cada vez que algo me inspira o provoca una idea lo guardo en la carpeta para cuando necesito una idea buena. También uso mi teléfono para guardar notas cuando tengo una idea inspiradora. Siempre es bueno guardar tus ideas para poder recurrir a ellas cuando lo necesites.

TH: ¿Podrías describirnos algunas sesiones fotográficas que hayan sido memorables?

Tom: Creo que la sesión fotográfica más memorable que he tenido, hasta ahora, fue cuando hice el calendario 2012 de McFly, Cuando puse a la banda en escaleras de madera en medio de un gran lago. Tuve que contratar a dos socorristas para poder hacer la sesión, ellos me ayudaron a colocar las escaleras en donde quería y luego, escoltaron a los muchachos hasta sus lugares sin que se mojaran. Las fotos salieron exactamente como las imaginaba, pero no lo habría logrado sin los socorristas y la confianza de la banda. El costo del riesgo de tratar de hacer algo creativo y original valió la pena.

TH: ¿Está interesado en crear obras en otros medios – música, cine, etc..?

Tom: Recientemente comencé a dirigir vídeos de música y eventualmente creo que haré cortos, documentales y luego, posiblemente, películas, pero siempre seré un fotógrafo.

TH: ¿Tienes algún consejo para los miembros de Talenthouse que buscan mantener una carrera estable, así como sus inclinaciones creativas?

Tom: Creo que no hay ninguna manera incorrecta o correcta de mantener una carrera acertada en la industria creativa, no creo que sea correcto poner en una lista todo lo que he hecho para llegar a donde estoy, que, aclarando, no es un largo camino. Aún tengo mucho que aprender. Creo que mientras estés feliz y ames lo que estás haciendo podrás avanzar mucho. La pasión con un toque de suerte es el ingrediente del éxito, si eres apasionado con lo que haces, esto será lo que te anime cuando dudes de ti y será la misma cosa que te lleve a donde quieres ir. Así que, aquí está es mi final sentimental, como R.Kelly dijo, ‘Si puedo verlo, entonces puedo hacerlo, Si creo en el, no hay nada que hacer.’

Tom en la Web: Facebook | Talenthouse | Twitter

Hoy comienzan las Gallery Nights, el plato fuerte de la Semana del Arte

Con entrada gratuita, el público puede conocer las principales galerías de San Telmo, Recoleta y otros barrios porteños

Por Leonardo Tarifeño  | LA NACION

Desde el domingo pasado, más de 100 galerías, museos y centros culturales de la ciudad participan en la Semana del Arte, cuya principal atracción, las Gallery Nights, comienzan hoy, a partir de las 19. La novena edición de esta gran movida urbana incluye mesas redondas con artistas y coleccionistas invitados, visitas guiadas en distintos barrios y un festival de dibujo para toda la familia, previsto para el próximo sábado en el Rosedal. Todo con entrada libre y gratuita, bien al alcance de aquellos interesados en descubrir y disfrutar lo mejor del arte argentino contemporáneo.

Para esta ocasión, la Semana del Arte presenta un calendario de tres Gallery Nights, que desde hoy y hasta la noche del viernes invitarán a los curiosos de San Telmo, Palermo, Puerto Madero, Recoleta y Retiro a conocer las obras expuestas en las principales galerías de esos barrios. Las visitas guiadas comienzan a las 16.30, y, a partir de las 19, las Gallery Nights reciben al público con un menú integrado por el trabajo de los artistas, la reunión con especialistas y marchands, y una copa de champagne lista para amenizar la velada.

Hoy, los puntos de encuentro para las visitas guiadas son Uriarte 1976 (Palermo), Tacuarí 586 (San Telmo) y Callao 1880 (Barrio Norte), desde donde los amantes del arte podrán recorrer algunas de las galerías participantes en los circuitos de las respectivas zonas.

Una vez de paseo por los barrios convertidos en paraísos del arte, el curioso no debería dejar de recorrer las galerías Milo (del artista chaqueño Milo Lockett), Elsi Del Río y Gachi Prieto, en Palermo; Zurbarán, Rubbers y Praxis, en Barrio Norte, y Braque y el Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (Macba), en San Telmo, todos espacios fundamentales que, vistos en conjunto, representan un mapa diverso y contundente de la creación artística nacional. Ya a media tarde, a las 18.30, la mesa redonda "Fotografía hoy", coordinada por Alicia de Arteaga, convocará a Facundo Zuviría, Santiago Porter y Gabriel Valansi en Eseade (Uriarte 2472), y media hora después la primera Gallery Night de la semana abrirá las puertas de las principales galerías de Palermo.

Mañana, las visitas guiadas partirán, a las 16.30, desde Humboldt 1510 (Palermo), México 459 (San Telmo) y Arroyo 858 (Retiro), y a las 18.30 el Macba (San Juan 328) se transformará en el escenario del debate sobre "El lugar del artista hoy", que reunirá a Carlos Herrera, Verónica Gómez y Carlos Huffmann. La Gallery Night de la jornada se desarrollará en San Telmo y Puerto Madero, con transportes especialmente dispuestos para llevar de un barrio al otro a los amantes del arte.

La Semana del Arte concluirá el sábado, con un festival de dibujo al aire libre, en el Rosedal. Si el tiempo acompaña, la fiesta será completa..